Floryan Varennes is an artist whose work is positioned in a temporality between medievalism and science fiction. His visual universe, adorned with armor, medical equipment and plants, offers us other possibilities for thinking about bodies and ways of caring for them. On the occasion of “Violence Vitale”, his exhibition which is open all summer at the Maison des Métiers du Cuir in Graulhet, he gives an interview to Expo156. A chance to discover his work which, without any complex, appeals to multiple imaginaries.
Can you present us the path that led you to the work you have been producing for the last four years?
I have a double curriculum, like many other artists I had a DNSEP (master II in visual art) in 2014 with a specialization in sculpture. Then afterwards, I attended a lot of seminars in Paris in several universities to perfect my historical knowledge on several specific topics related to bodies in art. In 2018, after 4 years of conceptual wanderings, I decided to start all over again, or at least to be more radical in my practice and research, so I started a new Master’s degree, this time in Medieval History at Paris-Nanterre. In June 2020 I graduated on a well known tutelary figure: Joan of Arc. I chose to study this heroine and more precisely her representations in paintings from the XIXth to the XXIst century because it echoed my practice as a visual artist on the body outside the norms and more precisely on medieval pageantry (panoply, emblems, armor, weapons, etc.). This investigation on the image of Joan of Arc in the visual arts from the 19th to the 21st century, allowed me to analyze a set of two-dimensional works that depicted her life, her physiognomy in transition and her equipment, while questioning the gender representations of the young heroine. It was a long, very long and dense work in terms of historical and artistic research.I had to track down the smallest painted images of Joan of Arc in France, Europe and beyond.
At the same time, during the last three years, my investigations have been focused on my relationship to the equipped body – Human enhancement – through curative universes in the era of techno-enchantment (augmented bodies, prosthetic science, curative technology, attention to vulnerability etc.). I had to navigate between my historical research, my practice and my investigations of the rather complex medical universe. To talk about the work, I have very defined phases, stages of intense research on my favorite themes and others of practice in residence. I have the particularity, for the moment, of only producing while I am in artistic residency, which allows me to be frenetic/abundant in my production and placid/concentrated in my research phase.
What are the words you use to present your work, how do you define it?
On the one hand I would say sculpture, installation, bas-reliefs, three-dimensionality and volume for the medium used. On the other hand, my work speaks of the body, of bodies in a general acceptance, without ever showing it or figuring it directly. By a metonymic* system I always try to represent it by elements that compose it, its pageantry, its equipment and its emblems linked to its parade, and more and more devices that mix the whole with powerful olfactory ambiences. Then, medieval history and its echoes up to our days compose a core of continuous research in my practice, always linked to readings, conferences, investigations, documentaries, films, series that are reflected in my practice… Finally, a few words about my interest in the speculative future that opens up to us, and more precisely in the sphere of care in a broad understanding. It is a question of reflecting on care, protection, repair, transformation and healing, inseparable from their “twin” states generally linked to persecution or scattered violence. In this way, I ambivalently mix representations linked to violence with curative technologies.
*A metonymy is a figure of speech which, in the language or its use, uses a word to mean a distinct idea but which is associated to it.
Your current artistic activity is focused on Violence Vitale, a monographic exhibition at the Musée des Métiers du Cuir of the city of Graulhet, which follows a residency* that you did there in the spring of 2021. How do you situate the new pieces you will present there, and produced on this occasion, in relation to your work?
This immersive residency took place with companies located in the Tarn region of France (Comptoir Icart, Maison Philippe Serre and La Fabrique leather goods). I had the chance to work with professionals who were able to help me in my practice from A to Z. Thanks to the know-how linked to the leather professions as a whole, from the choice of skins to the leather goods, I was able to “surpass” myself. In this, my production became more excessive, more disproportionate, made of immersive atmospheres and quite sophisticated installations. I was also lucky enough to be able to exhibit in an imposing museum of more than 300 square meters, I was able to take risks in the hanging, in the scenographic course and the lighting. Moreover, the pieces produced are in the continuity of my career but take a radical tangent. I was able to renew my theoretical base by going towards a fractional questioning on temporality, I arrived at crossings that I always tried to touch. In connection with echoes of the medieval period but combined with an aesthetic and aspects of my work more futuristic, more cyber-fictional. In connection with echoes of the medieval period but combined with an aesthetic and aspects of my work more futuristic, more cyber-fictional. I was able to achieve this goal through my latest research on medical pods [medical devices to regenerate bodies]. With my Hildegarde installation, I was able to create links between medieval armors, futuristic hospital beds and thus join all investigations on the panacea. This universal remedy that would have the ability to cure any disease and protect the body from all aggressions. I was able to elaborate a new installation at the crossroads of these fields of research transposing the whole into sculptures/civiers quilted with white leather and coated with an antibacterial treatment. Arranged in a circle in one of the rooms of the exhibition, this piece is for me the translation of the title of my exhibition: Violence Vitale.
* within the framework of the device called “residence of artist in company” of the french ministry for the culture.
There are pieces in this exhibition, such as “Sursum Corda” or “Hildegarde” that seem to emerge from the darkness in an environment that could be described as “raw”. How does this environment resonate with these pieces?
I like the play of light and elaborate spatial arrangements and these two installations lend themselves to this. On one side the iridescent diagonals of Sursum Corda and on the other the white satin blocks of Hildegarde seem to effectively emerge through the lighting. Even more, it is a play of reflections and materials that I put in place, the darkness allows for focus with the light rails, and a certain tension in the space. Moreover, this chiseled lighting creates an ambivalent atmosphere, on the one hand there is a feeling of confrontation because the pieces are frontal, and on the other there is an exalting atmosphere, because the sculptures are bathed in a zenithal light. The setting in space is also a game between the works and the public, going from a rather dark space to a light space creates a story. The light is also the narrative in an exhibition.
There is a hybridization of time expressed in your work, which is rooted in medievalism and science fiction. What role does temporality play in your work and where does this interest come from?
I am a child of the 90’s, I was fed very young with scattered references that shaped me, two trilogies were revealing of my artistic preoccupations : The Lord of the Rings and The Matrix, to this can be added several other references such as Evangelion or Record of Lodoss War, but also a lot of historical, scientific and academic readings that came to be added during my studies, and still now.
Thus my research articulates several temporalities, first of all the echoes of the Middle Ages that we find nowadays in several types of productions. This is what we call medievalism (or survival or medieval revival) and it corresponds to a set of artistic, political and cultural manifestations elaborated in a conscious will to recreate or imitate in whole or in part the Middle Ages. My goal is not to reproduce this era, but rather to perceive some analogies with our time and some polarities. This is how I present and use the Middle Ages as a radical otherness to our time. It works for my part as a heuristic modality, a comparative that allows us to perceive, under certain fixed categories, the denials, the compromises and the advances of our Western civilization. In addition to this, there are convergences and oppositions, which we also find in certain productions on speculative futures with science fiction, or at least science in general, with systems of repression or cures that emanate from it. As I said before, I am very interested in augmentations and body reinforcements as well as in different types of medicine. I then try to join – in aesthetics as well as in concepts – these two types of temporalities in my production.
This temporal anchorage, allows you to inscribe in imaginary sometimes born in other artistic spheres, and in their aesthetics. What is your relationship with aesthetics and beauty, how do you manage to make it a framework that structures your work, a weapon that produces meaning?
The relationships of beauty in art are complex, generally (independently of the geographical situations) this tension comes from the history of art and the schools of art which perpetuate certain schemes, and what is beautiful, what is pleasant to the eye because sometimes too seductive is rejected, prohibited or put aside. By escaping this time from the important philosophical traditions linked to Kant or Hegel on the beautiful, post-modernity maintains ambiguous links with what can be qualified as beautiful, and everything is shattered. In my case I fought – and I still fight – against this, because I quickly understood that my research on the substance was going to overflow on the form. It is necessary however to define what one calls the word beautiful, for my part I speak in the first place of dichotomous reports of seduction and aversion, the “beauty” of my work resides in its ambivalence, it is which occurs through my rather violent, aggressive or disturbing topics of research but that I treat with fragile, soft, ephemeral or life-saving materials… These materials have various qualities, they allow me to have several types of effects, transparency, reflections of lights, shine, and that from glass to iridescent leather, from pearls to rivets passing by high-tech fabrics like velvet or medical polymers, but also surgical steel, to dried plants which transpose more deleterious ideas of beauty. Finally, I often speak of extreme aestheticism, I try to push this notion to its maximum.
Who are the people (artists, authors, curators etc….), with whom you find an affinity in your approach?
I have several affinities and sources of research to feed my work, I have very abundant artistic references with which I maintain intimate links. On the one hand, with ancient artists who are linked to a period called International Gothic, I often take as an example the Limbourg Brothers, Simone Martini or later Enguerand Quarton, Jêrome Bosh, Albrecht Durer, Jan Van Eyck, but also John William Waterhouse and my absolute love for the Symbolists and the Pre-Raphaelites (Millais, Rosseti, Burnes-Jones…), who rightly are my aesthetic ground. For the more contemporary – among others – Louise Bourgeois, David Altmedj, Frederick Heyman, Stelarc, Lee bul, Franz Erad Walter, Jordan Wolfson, Elaine Cameron Weir, Ivana Basic, Anicka Yi, Hannah Lévy, or Violet Chachki and Alexis Stone… I like some fashion designers like Alexander McQueen, Mugler, Robert Wun or Iris Van Herpen. And finally some anime, Evangelion, Ghost in the Shell, Spirited Away, Vampire hunter D : Bloodlust, Grimgard or other video games like Halo, Fable or Elder Scroll.
On the theoretical side, I rely heavily on historical readings such as those of Jacques Legoff, Michel Pastoureau or Vincent Férré; philosophical or psychoanalytical readings with Paul Préciado, Donna Haraway, Susan Sontag, Joan Tronto, Paul Ricoeur or even Carl Gustav Jung. I have deeper affinities with other fields of research and I do not limit myself to artistic spheres, I also draw my research from what represents and historically activates the body such as heraldry, medieval weaponry, military chivalry, armorial systems , but also what heals or increases it to be understood as an anthropotechny, such as biotechnological sciences (and bioethics), phytotherapy (nootropic), pharmacology & toxicology, biohacking, orthoprosthetic systems, exo-armors, robotic surgery…
There is a recurrent use of vegetation in your pieces, in particular lavender, but also thistles in “L’assemblée” or prunus thorns in “Gothic my Love”. Vegetation also plays a key role in the articulation of the themes that are dear to you, especially because of its role in the care of the bodies in the Middle Ages. Can you tell us about it?
Plants arrived quite late in my practice, and are indicative of a new branch of care that I am exploring. There is a twofold aspect to my work on the notion of care in its entirety, on the one hand because I use surgical instruments, medical tools, fabrics and high-tech polymers, but on the other hand because I also invisibly try to operate a real work and a certain logic of solicitude and vulnerability, and the role of care in a strong way in my work. The plants have a place of choice in my research, so they create social link but also temporal because they have a direct affinity with the Middle Ages, I use a lot of plants that have to do with this period (that we find in manuscripts, tapestries, coats of arms, but also medical codexes etc). The plants that I use have multiplied phytotherapeutic effects. I call them super-vegetables, I use them in my installations to mark time, space and the senses. Of course I am also interested in their olfactory properties and especially their incredible prophylactic properties.
For example, lavender, a plant that I use a lot with thistles or ivy, is a masterpiece in my work, and I always use it dried. Its therapeutic importance, purification and cleansing are two characteristics inscribed in the very name of lavender. Indeed, its Latin name – lavandula – comes from the Latin lavare, meaning simply to wash. In addition, my beloved Hildegard of Bingen explained that: “Lavender is hot and dry and its heat is healthy. If one cooks lavender in wine and drinks it often lukewarm, one soothes the pains of the liver and the lung, as well as the vapors of the chest. “. The lavender intervenes thus on a certain number of diseases. Its virtues are considerable, antiseptic, anti-inflammatory, antispasmodic as well as analgesic, but also cardiotonic, anticoagulant, healing, and regulating the central nervous system: calming, sedative, anxiolytic, antidepressant, neurotropic, musculotropic… In short a cocktail to which we can add “aromatherapy” memories, we can not forget this scent so specific to the southern sun, that our grandparents also used to sanitize the household linen.
There is in your work the relation of the body to the medical world and more generally to the care, how do you consider that the notion of Pharmakon, particularly dear to the philosopher Bernard Stiegler, is part of your approach?
Yes, the bodies are not present but shown in a roundabout way, as I explained, never frontal, always made explicit by a battery of elements that increase or equip it with its finery, its armature and its parade (whether it is nuptial or military, or even a mixture of both). Moreover, I carry a more general reflection on the ambivalence of the affects, the feelings and the refusal of a binary division between pleasure and sorrow. This thought is concretized in my production of sculptures and duplicate devices, which mix the vocabulary of the war and the medical field to better reassess the distinction between wound and care. This is how the notion of pharmakon takes on its full meaning, as Bernard Stiegler explains: “the pharmakon is both poison and remedy, it is both what allows us to take care of and what we must take care of, in the sense that we must pay attention to it: it is a curative power in the measure and excess that it is a destructive power. This at once is what characterizes pharmacology, which tries to apprehend by the same gesture the danger and what saves. “. It is a process of attack and self-defense at the same time, contrary states and temporalities that I like to bring together in my work, and that I am now doing in a totally unconscious way: fragile but aggressive glass weapons, quilted stretchers as soft as they are hieratic, banners that cannot be easily identified, panoplies mixing medical objects that spread flesh while healing it, armored and translucent drones or a bed of lavender flowers that assaults the senses so much the smell is almost unbearable. The pharmakon is at the heart of my reflection, but declined in such a way that several types of antinomy (temporal, material, conceptual) act as a balance which one cannot know if they are destructive or saving.
Do you think there are aspects in your work that can resist any explanation and assume a part of darkness, of mysteries?
I wouldn’t speak of mystery, but of a discourse that escapes us, and that’s good. Not everything has to be explained, even if I tend to do so because I conceptualize my work (too much). But it seems to me that appreciating a work – in general – for its aesthetic, relational, contextual or formalist qualities is the least we can do. A work has also emotional qualities, we tend to forget it in the digital age, and of the fast culture, a work whatever its medium and its size it can make us vibrate – if a little bit we see it IRL. In short, if a work is ineffable it is already a good start, the rest will follow.
How do you see the future of your artistic production, what are your upcoming projects?
Concerning projects, I have just entered a gallery in Paris, I will see what the future holds for me, I have several group exhibitions coming up with residencies. The classic scheme we would say, but not only. I have also had in mind for a few months to create a fragrance, or at least an olfactory work, which could be sold as a perfume, based on lavandula angustifolia, incense, benzoin but also a rather cold, metallic, even repulsive smell. Finally, the idea of teaching is making its way, in an art school, or in other spheres that are close to me. And I wish to be more involved in the young French and European creation by helping young visual artists to understand the complexity but also the abundance of the contemporary artistic network.
For further information :
– Medievalism https://journals.openedition.org/itineraires/1782
– Pre-Raphaelitism https://histoire-image.org/fr/etudes/preraphaelisme-anglais-quete-absolu
– Queer approach https://journals.openedition.org/rechercheseducations/6611
– Augmented body https://www.cairn.info/revue-d-ethique-et-de-theologie-morale-2015-4-page-75.htm
– Science fiction https://journals.openedition.org/genrehistoire/405
– Care of the future https://journals.openedition.org/lectures/39389
Version Française
Floryan Varennes est un artiste dont l’œuvre se situe dans une temporalité entre médiévalisme et science-fiction. Son univers visuel, paré d’armures, de matériel médical et de végétaux, nous offre d’autres possibilités pour penser les corps et les manières d’en prendre soin. À l’occasion de « Violence Vitale » son exposition qui se déroule durant tout l’été à la Maison des Métiers du Cuir de Graulhet, il accorde une interview à Expo156. Une chance pour découvrir son travail qui convoque sans aucun complexe, des imaginaires multiples.
Est-ce que tu peux nous présenter le parcours qui t’a mené jusqu’au travail que tu produis depuis maintenant quatre années ? (différentes phases artistiques, cursus beaux-arts, et universitaire…)
J’ai un double cursus, comme beaucoup d’autres artistes j’ai eu un DNSEP (master II en art visuel) en 2014 avec une spécialisation en sculpture. Puis par la suite, j’ai suivi beaucoup de séminaires à Paris dans plusieurs universités pour parfaire mes connaissances historiques sur plusieurs sujets précis liés aux corps dans l’art. En 2018, après 4 années d’errances conceptuelles, j’ai décidé de tout reprendre à zéro, ou du moins d’être plus radical dans ma pratique et mes recherches, j’ai ainsi commencé un nouveau Master, cette fois-ci en Histoire médiévale à Paris-Nanterre. En juin 2020 j’ai eu mon diplôme sur une figure tutélaire bien connu : Jeanne d’Arc. J’ai choisi d’étudier cette Héroïne et plus précisément ses représentations en peintures du XIXe au XXIe siècle car cela rentrait en écho avec ma pratique de plasticien sur le corps en dehors des normes et plus précisément sur l’apparat médiéval (panoplie, emblèmes, armures, armes, etc). Cette enquête sur l’image de Jeanne d’Arc dans les Arts visuels du XIXe au XXI siècle, m’a permis d’analyser un ensemble d’œuvres bidimensionnelles qui ont figuré sa vie, sa physionomie en transition et son équipement, tout en questionnant les représentations de genre de la jeune héroïne. J’ai fais cette recherche transdisciplinaire historique, pour conjuguer médiévalisme et histoire de l’art à l’aune d’outils critiques liés aux études de genre, et ce dans une nouvelle perspective liée à ses représentations. Ce fut un travail long, très long et dense en terme de recherches historiques et artistique. J’ai du traquer les moindre images peintes de Jeanne d’Arc en France, en Europe et plus encore.
Parallèlement durant ces trois dernières années, mes investigations se sont précisées sur ma relations aux corps appareillés – Human enhancement – au travers d’univers curatifs à l’ère du techno-enchantement (corps augmentés, science prothétiques, technologie curatives, attention à la vulnérabilité etc). J’ai du naviguer entre mes recherches historiques, ma pratique et mes investigations sur l’univers médical assez complexe. Pour parler du travail, j’ai des phases très définies, des étapes de recherches intenses sur mes thèmes de prédilection et d’autres de pratique en résidence. J’ai la particularité, pour le moment, de ne produire que pendant que je suis en résidence artistique, cela me permets d’être frénétique/abondant dans ma production et placide/concentré dans ma phase de recherche.
Quels sont les mots que tu utilises pour présenter ton œuvre, comment la définis-tu ?
Alors, d’une part je dirais, sculpture, installation, bas-reliefs, tridimensionnalité et volume pour le medium utilisé. D’autre part, mon travail parle du corps, des corps dans une acceptation générale, sans jamais le montrer ni le figurer directement. Par un système métonymique* je m’attelle toujours à le représenter par des éléments qui le compose, son apparat, son appareillage et ses emblèmes liés à sa parade, et de plus en plus de dispositifs qui mêlent le tout avec de puissante ambiances olfactives. Ensuite, l’Histoire médiévale et ses échos jusqu’à nos jours compose un noyau de recherche continu dans ma pratique, toujours liée à des lectures, des conférences, des investigations, des documentaires, des films, des séries qui transparaissent dans ma pratique… enfin quelques mots sur mon intérêt sur des futur spéculatifs qui s’ouvrent à nous et plus précisément celle de la sphère du soin dans une compréhension large. Il s’agit de réfléchir au soin, à la protection, à la réparation, à la transformation et à la guérison, inséparables de leurs états gémellaires « jumeaux » généralement liés à des persécutions ou des violences éparses. Je mêle pour ainsi dire ainsi de manière ambivalente des représentations liées à la violence à des technologies curatives.
*Une métonymie est une figure de style qui, dans la langue ou son usage, utilise un mot pour signifier une idée distincte mais qui lui est associée.
Ton actualité artistique est marquée par Violence Vitale, une exposition monographique au Musée des Métiers du Cuir de la ville de Graulhet, qui fait suite à une résidence* que tu y as effectué au printemps 2021. Comment est- ce que tu situes les nouvelles pièces que tu vas y présenter, et produites à cette occasion, par rapport à ton œuvre ?
Cette résidence immersive a eu lieu avec des entreprises du Tarn en France (le Comptoir Icart, la Maison Philippe Serre et la maroquinerie La Fabrique). J’ai eu la chance de travailler avec des professionnels qui ont pu m’aider dans ma pratique de A à Z. Grâce aux savoirs-faire liés aux métiers du cuir dans leurs ensembles, des choix de peaux jusqu’à la maroquinerie, j’ai ainsi pu me « surpasser ». En cela, ma production est devenu plus excessive, plus démesurée, faite d’ambiances immersives et d’installations assez sophistiquées. J’ai aussi eu la chance de pouvoir exposer dans un musée imposant sur plus de 300 mètres carrés, j’ai pu prendre des risques dans l’accrochage, dans le parcours scénographique et la mise en lumière. De plus, les pièces produites sont dans la continuité de mon parcours mais prennent une tangente radicale. J’ai pu renouveler mon socle théorique en allant vers un questionnement fractionné sur la temporalité, je suis arrivé à des croisements que j’ai toujours essayé de toucher. En lien avec des échos de l’époque médiévale mais combinés avec une esthétique et des aspects de mon travail plus futuristes, plus cyber-fictionnel. J’ai pu y atteindre ce but grâce à mes dernières recherches sur les médicals pods [appareillages médicaux destinés à régénérer les corps]. Avec mon installation Hildegarde, j’ai pu créer des liens entre des armures médiévales, des lits d’hospitalisations futuristes et joindre ainsi toutes investigations sur la panacée. Ce remède universel qui aurait la faculté de guérir n’importe quelle maladie et de protéger le corps de toutes agressions. J’ai pu élaborer une nouvelle installation aux croisements de ces champs de recherches transposant alors le tout en sculptures/civières matelassées de cuir blanc et pelliculées d’un traitement antibactérien. Disposée en cercle dans une des salles de l’exposition, cette pièce est pour moi la traduction du titre de mon exposition : Violence Vitale.
*dans le cadre du dispositif appelé « résidence d’artiste en entreprise » du Ministère de la Culture.
Il y a dans cette exposition des pièces, comme « Sursum Corda » ou « Hildegarde » qui semblent émerger de l’obscurité dans un environnement que l’on pourrait qualifier de « brut » . Comment cet environnement entre en résonance avec ces pièces ?
J’aime les jeux de lumière, et les mises en espace élaborées et ces deux installations s’y prêtent. D’un coté des diagonales iridescentes de Sursum Corda et de l’autre des blocs blancs satiné de Hildegarde semble effectivement émerger par la mise en lumière. Plus encore, c’est un jeu de reflets et de matières que je mets en place, l’obscurité permet des focus avec les rails de lumières, et une certaine tension dans l’espace. De surcroît, cette mise en lumière ciselé crée une atmosphère ambivalente, d’un coté il y a une sensation de confrontation car les pièces sont frontales, et de l’autre il y a une ambiance exaltante, car les sculptures sont baignées d’une lumière zénithale. La mise en espace, c’est aussi un jeu entre les œuvres et le public, passer d’un espace plutôt sombre à un espace clair crée une histoire. La lumière c’est aussi de la narration dans une exposition.
Il y a une hybridation des temps qui s’exprime dans ton œuvre, qui trouve un ancrage dans le médiévalisme et la science-fiction. Quel rôle joue la temporalité dans ton travail et où cet intérêt trouve-il son origine ?
Je suis un enfant des années 90, j’ai été abreuvé très jeune de références éparses qui m’ont façonné, deux trilogies ont été révélatrices de mes préoccupations artistiques Le seigneurs des anneaux et Matrix, à cela s’ajoute plusieurs autres références comme Evangelion ou Les Chroniques de la guerre de Lodoss mais aussi beaucoup de lecture historiques, scientifiques et universitaires qui sont venues s’ajouter pendant mes études, et maintenant encore. Ainsi mes recherches articulent plusieurs temporalités, en premier lieu les échos du Moyen Âge que l’on retrouve de nos jours dans plusieurs types de productions. C’est ce que l’on nomme médiévalisme, (ou survival ou medieval revival) et c’est ce qui correspond à un ensemble de manifestations artistiques, politiques et culturelles élaborées dans une volonté consciente de recréer ou d’imiter en tout ou partie le Moyen Âge. Mon but n’est pas de reproduire cette époque, mais plutôt de percevoir certaines analogies avec notre temps et certaines polarités.C’est ainsi que je présente et j’utilise le Moyen Âge comme une altérité radicale à notre temps. Il fonctionne pour ma part comme une modalité heuristique, un comparatif qui nous permet de percevoir, sous certaines catégories figées, les dénis, les compromis et les avancées de notre civilisation occidentale. A cela s’ajoute des rapprochements et des oppositions, nous les retrouvons aussi dans certaines productions sur les futurs spéculatifs avec la science-fiction, ou du moins la science tout court, avec des systèmes de répressions ou de guérisons qui en émanent. Comme je l’ai distillé précédemment je m’intéresse beaucoup aux augmentations et aux renforcements corporels ainsi qu’à différents types de médecines. J’essaye alors de joindre – aussi bien dans l’esthétique que dans les concepts – ces deux types de temporalités dans ma production.
Cet ancrage temporel, te permet de s’inscrire dans des imaginaires parfois nés dans d’autres sphères artistiques, et dans leurs esthétiques. Quel est ton rapport avec l’esthétique et le Beau, comment tu parviens à en faire une armature qui structure ton œuvre, une arme qui produit du sens ?
Les rapports de beautés dans l’art sont complexes, généralement (indépendamment des situations géographiques) cette tension provient de l’histoire de l’art et des écoles d’art qui perpétuent certains schémas, et ce qui est beau, ce qui agréable à l’œil car parfois trop séduisant est rejeté, interdit ou mis de côté. En échappant cette fois-ci aux grandes traditions philosophiques liées à Kant ou Hegel sur le beau, la post-modernité entretient des liens ambiguës avec ce qui peut être qualifié de beau, et tout vole en éclat. Dans mon cas je me suis battu – et je me bat encore – contre cela, car j’ai vite compris que mes recherches sur le fond allaient déborder sur la forme. Il faut pourtant définir ce qu’on appelle le mot beau, pour ma part je parle en premier lieu de rapports dichotomiques de séduction et d’aversion, la « beauté » de mon travail réside dans son ambivalence, c’est qui se passe au travers de mes thèmes de recherches plutôt violents, agressifs ou bien dérangeants mais que je traite avec des matériaux fragiles, doux, éphémères ou salvateurs… Ces matériaux ont diverses qualités, il me permettent d’avoir plusieurs types d’effets, de la transparence, des reflets de lumières, des brillances, et cela du verre au cuir iridescent, des perles aux rivets en passant par des tissus high-tech comme des velours ou polymères médicaux, mais aussi de l’acier chirurgical, jusqu’au végétaux séchés qui transposent des idées plus délétères de la beauté. Pour finir, je parle souvent d’extrême esthétisme, j’essaye de pousser au maximum cette notion à son paroxysme.
Quelles sont les personnes (artistes, auteurices, curateurices etc….), avec qui tu te trouves une affinité dans ta démarche ?
J’ai plusieurs affinités et sources de recherches pour alimenter mon travail, j’ai des références artistiques très abondantes avec lesquelles j’entretiens des liens intimes. D’une part avec des artistes anciens qui sont liés à une période que l’on nomme le Gothique International, je prends souvent comme exemple les Frères de Limbourg, Simone Martini ou bien par la suite Enguerand Quarton, Jêrome Bosh, Albrecht Durer, Jan Van Eyck, mais aussi John William Waterhouse et mon amour absolu pour les symbolistes et les préraphaélites (Millais, Rosseti, Burnes-Jones…), qui à juste titre, sont mon terreau esthétique. Pour les plus contemporain.e.s – entre autres – Louise Bourgeois, David Altmedj, Frederick Heyman, Stelarc, Lee bul, Franz Erad Walter, Jordan Wolfson, Elaine Cameron Weir, Ivana Basic, Anicka Yi, Hannah Lévy, ou bien Violet Chachki et Alexis Stone… J’aime quelques créateurs de mode comme Alexander McQueen, Mugler, Robert Wun ou bien Iris Van Herpen. Et enfin quelques animés, Evangelion, Ghost in the Shell, Le voyage de Chihiro, Vampire hunter D : Bloodlust, Grimgard ou d’autres jeux vidéo comme Halo, Fable ou les Elder Scroll.
Niveau théorie je m’appuie beaucoup sur de lectures historiques comme celles de Jacques Legoff, Michel Pastoureau ou Vincent Férré ; Philosophique ou psychanalytique avec Paul Préciado, Donna Haraway, Susan Sontag, Joan Tronto, Paul Ricoeur ou encore Carl Gustav Jung. J’ai des affinités plus profondes avec d’autres champs de recherches et je ne me limite pas à des sphères artistiques, je puise aussi mes recherches dans ce qui représente et actionne historiquement le corps comme l’héraldique, l’armement médiéval, la chevalerie militaire, les systèmes armoriaux , mais aussi ce qui le soigne ou l’augmente à comprendre comme une anthropotechnie, tel que les sciences biotechnologiques (et la bioéthique), la phytothérapie (nootrope), la pharmacologie & toxicologie, le biohacking, les systèmes orthoprothétiques, les exo-armures, la chirurgie robotique…
Il y a une utilisation récurrente du végétal dans tes pièces, et en particulier de la lavande, mais aussiles chardons dans « L’assemblée » ou les épines de prunus dans « Gothic my Love ». La végétation qui joue aussi un rôle clé dans l’articulation des thématiques qui te sont chères notamment de par son rôle dans le soin des corps au Moyen-Age. Est-ce que tu peux nous en dire quelques mots ?
Les végétaux sont arrivés assez tardivement dans ma pratique, et sont révélateurs d’une nouvelle branche du care (prendre soin) que j’explore. Il y a une bicéphalité dans mon travail sur la notion de soin dans sa globalité, d’une part parce que j’utilise des instruments chirurgicaux, des outils, tissus et polymères high tech médicaux, mais d’autres parce que j’essaye aussi de manière invisible d’opérer un véritable travail et une certaine logique de la sollicitude et de la vulnérabilité, et du rôle du soin de manière forte dans mon travail. Les végétaux ont une place de choix dans mes recherches, ainsi il créent du lien social mais aussi temporel car ils ont une affinité directe avec le Moyen Âge, j’utilise beaucoup de plantes qui ont trait à cette période (que l’on retrouve dans les manuscrits, tapisseries, armoiries, mais aussi codex médicaux etc). Les végétaux que j’utilise ont des effets phytothérapeutiques démultipliés. Je les appelle les super-végétaux, je les utilise dans mes installations pour marquer le temps, l’espace et les sens. Bien sûr je m’intéresse aussi à leur olfactivité et surtout leurs propriétés prophylactiques incroyables.
Par exemple la lavande, une plante que j’emploie beaucoup avec les chardons ou le lierre est une pièce maîtresse dans mon parcours, et je l’utilise tout le temps séchée. Son importance thérapeutique, purification et assainissement sont deux caractéristiques inscrites dans le nom même de la lavande. En effet, son nom latin – lavandula – est issu du latin lavare, signifiant tout simplement laver. De plus ma très chère Hildegarde de Bingen expliquait que: « La lavande est chaude et sèche et sa chaleur est saine. Si on fait cuire de la lavande dans du vin et qu’on en boit souvent tiède, on apaise les douleurs du foie et du poumon, ainsi que les vapeurs de la poitrine. » La lavande intervient donc sur un certain nombre de maladies. Ses vertus sont considérables, antiseptiques, anti-inflammatoires, antispasmodiques ainsi que celle, antalgiques, mais aussi cardiotoniques, anticoagulantes, cicatrisantes, et régulatrices du système nerveux central : calmantes, sédatives, anxiolytiques, antidépressives, neurotropes, musculotropes… bref un cocktail auquel nous pouvons y adjoindre des souvenirs « aromathérapeutiques », on ne peut oublier cette senteur si propre au soleil du sud, que nos grands parents utilisaient aussi pour assainir le linge de maison.
Il y a dans ton travail la relation du corps et au monde médical et de manière plus générale au soin, comment-est ce que tu estimes que la notion de Pharmakon, particulièrement chère au philosophe Bernard Stiegler, fait corps avec ta démarche ?
Oui les corps ne sont pas présents mais montrés de manière détournée, comme je l’ai expliqué, jamais frontale toujours explicitée par une batterie d’éléments qui l’augmentent ou l’appareillent par sa parure, son armature et sa parade (qu’elle soit nuptiale ou militaire d’ailleurs, voir même le mélange des deux). De surcroît, je porte une réflexion plus générale sur l’ambivalence des affects, des ressentis et le refus d’un partage binaire entre plaisir et peine. Cette pensée se concrétise dans ma production de sculptures et de dispositifs duplices, qui mêlent le vocabulaire de la guerre et du champ médical pour mieux réévaluer la distinction entre blessure et soin.
C’est ainsi que la notion de pharmakon prend toute son ampleur, comme l’explicite Bernard Stiegler « le pharmakon est à la fois poison et remède, il est à la fois ce qui permet de prendre soin et ce dont il faut prendre soin, au sens où il faut y faire attention : c’est une puissance curative dans la mesure et la démesure où c’est une puissance destructrice. Cet à la fois est ce qui caractérise la pharmacologie qui tente d’appréhender par le même geste le danger et ce qui sauve. » C’est un processus d’attaque et d’auto-défense en même temps, des états et des temporalités contraires que j’aime réunir dans mon travail, et que je fais maintenant de manière totalement inconsciente : des armes en verres fragiles mais agressives, des civières matelassés aussi douces que hiératiques, des étendards qu’on ne peut facilement identifier, des panoplies mêlant des objets médicaux qui écartent les chairs tout en les soignants, des drones armaturés et translucides ou bien un parterre de fleurs de lavande qui agresse les sens tellement l’odeur est quasi insoutenable. Le pharmakon est au cœur de ma réflexion, mais décliné de tels sortes, que plusieurs types d’antinomies (temporelle, matérielle, conceptuelle) agissent comme une balance dont on ne peut savoir si elles sont destructrices ou salvatrices.
Est-ce tu penses qu’il y a des aspects dans ton travail qui peuvent résister à toute explication et assumer un part d’obscurité, de mystères ?
Je ne parlerais pas de mystère, mais d’un discours qui nous échappe, et c’est tant mieux. Tout ne doit pas être expliqué, même si j’ai tendance à le faire car je conceptualise (trop) mon travail. Mais il me semble qu’apprécier une œuvre – en général – pour ses qualités esthétiques, relationnelles, contextuelles ou bien formalistes est la moindre des choses à faire. Une œuvre a aussi des qualités émotionnelles, on a tendance à l’oublier dans l’ère du digital, et de la fast culture, une œuvre qu’importe son médium et sa taille elle peut nous faire vibrer – si un tant soit peu nous la voyons IRL. En somme si une œuvre est ineffable c’est déjà un bon début, le reste suivra.
Comment est-ce que tu vois le futur de ta production artistique, quels sont tes projets à venir ?
Niveau projets, je viens de rentrer dans une galerie à Paris, je vais voir ce que l’avenir me réserve, j’ai plusieurs expositions collectives qui arrivent avec des résidences. Le schéma classique diront nous, mais pas que. J’ai en tête aussi depuis quelques mois de créer une fragrance, ou du moins une œuvre olfactive, qui pourrait être vendue comme un parfum, à base de lavandula angustifolia, d’encens, de benjoin mais aussi d’odeur plutôt froide, métallique, voire même repoussante. Enfin, l’idée du professorat fait son chemin, dans une école d’art, ou dans d’autres sphères qui me sont proches. Et je souhaite être plus engagé dans la jeune création française et européenne en aidant le plus possible les jeunes artistes plasticien.ne.s à comprendre la complexité mais aussi le foisonnement du maillage artistique contemporain.
Pour aller plus loin :
– Médiévalisme https://journals.openedition.org/itineraires/1782
– Préraphaélisme https://histoire-image.org/fr/etudes/preraphaelisme-anglais-quete-absolu
– Approche queer https://journals.openedition.org/rechercheseducations/6611
– Corps augmenté https://www.cairn.info/revue-d-ethique-et-de-theologie-morale-2015-4-page-75.htm
– Science fiction https://journals.openedition.org/genrehistoire/405
– Soin du futur https://journals.openedition.org/lectures/39389
Interview by Charline Kirch // Interview par Charline Kirch
A huge thank you to Floryan for his answers // Un grand merci à Floryan pour ses réponses.
Featured image credit : “L’assemblée” by Floryan Varennes // Image de couverture : “L’assemblée” par Floryan Varennes
⚔
“Violence Vitale”, is open to the public until 03/09/21 at the Maison des Métiers du Cuirs in Graulhet. // “Violence Vitale”, est à visiter jusqu’au 03/09/21 à la Maison des Métiers du Cuirs de Graulhet.
Find all July on the Expo156 Instagram account a visual selection made in collaboration with Floryan Varennes. // Retrouvez tout le mois de Juillet sur le compte Instagram d’Expo156 une sélection visuelle réalisée en collaboration avec Floryan Varennes.
⚔
